FTJS!ジャムセッション講座 @FTJSjamlesson

バンドでリズムが合わない時 「もっとドラムをよく聴こう！」 と思っていませんか？ 実は、 聴いてから合わせようとするほど リズムは後追いになりやすい。 大事なのは 相手の音を追いかけることではなく、 【同じグルーヴを一緒に走る！】

グルーヴ＝「正確なリズム」だと思っていませんか？ 実はグルーヴには、 「正確さ」だけではない3つの捉え方があります。 もっと正確に。 もっとノリよく。 それだけではなく、 今の自分は3つのどこに偏っている？ そんな視点で演奏してみると、 グルーヴの感じ方が変わるかもしれません。

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【「コードで会話する」って、どういうこと？】 セッションでは、 「コードで会話する」 ということがあります。 でもこれは、 相手がCを弾いたから 自分も正しいCを弾く。 そんな「正解合わせ」の話ではありません。 実は上手いプレイヤーほど、 相手が出した“響き”を聴いて、 自分の響きで返しています。 たとえば、 ソロを弾いている人が コードに馴染む、 落ち着いたメロディーを弾いたとします。 すると伴奏側も、 比較的シンプルな響きで応える。 逆にソリストが、 少し緊張感のある音や、 複雑な響きを持った音を使い始める。 すると伴奏側もそれを聴いて、 テンションを含んだ 少し複雑なコードで応える。 もちろん逆もあります。 伴奏側が先に ちょっと複雑な響きを出す。 それを聴いたソリストが、 「そっちへ行くんだな」 と感じて、 メロディーの響きを変えていく。 つまり、 ソロが伴奏を動かし、 伴奏がソロを動かす。 お互いの音を聴きながら、 その場で音楽が変化していく。 これが、 「コードで会話する」 という感覚の一つです。 難しいコード理論を 頭の中で高速計算している、 というよりも、 「落ち着いた感じ」 「ちょっとおしゃれな感じ」 「少しぶつかっている感じ」 そんな響きの雰囲気を耳で感じて、 それに反応する。 だから、 コードは単なる記号ではありません。 相手に何かを伝えたり、 相手の音に返事をしたりできる。 アンサンブルの中では、 そんな「言葉」のような役割も持っています。 ただし、 これができなければ セッションに参加できない、 という話ではありません。 むしろ、 かなり耳が育ったプレイヤー同士が行う 繊細なやり取りです。 最初から全部できなくて大丈夫。 まずは、 「正しいコードは何だろう？」 だけではなく、 「今、どんな響きが聞こえた？」 と耳を向けてみる。 そこから、 コードが「覚えて弾くもの」から 「相手と会話するもの」へ、 少しずつ変わっていきます。

【たった1コードで、どこまで音楽は変えられる？】 「アレンジするには、 たくさんコードを知らないといけない」 そんなイメージがあるかもしれません。 でも実は、 たった1コードでも、 音楽は驚くほど変えられます。 たとえば、 Aマイナー1コードだけ。 コードは一切変えなくても、 8ビートにする。 シャッフルにする。 ファンクにする。 ボサノバにする。 ジャズにする。 ラテンにする。 リズムを変えるだけで、 まったく違う音楽になります。 さらに、 ファンクとジャズを混ぜる。 そんなこともできます。 でも、 これはまだ「リズム」だけの話です。 音楽には大きく、 リズム メロディー ハーモニー という3つの要素があります。 アレンジの可能性は、 この組み合わせで広がっていきます。 つまり、 「コードの種類を増やす」 だけで考えるのではなく、 リズム × メロディー × ハーモニー と考える。 するとバリエーションは、 足し算ではなく 掛け算で増えていきます。 そしてアンサンブルになると、 さらに面白くなります。 ドラムがリズムを変える。 ベースがそれに反応する。 鍵盤やギターが 違うバッキングを入れる。 メロディーを担当する人が、 さらに別のアイデアを返す。 一人では思いつかなかったアイデアが、 他の人の演奏から生まれてくる。 そうすると、 たった1コードでも、 アレンジの可能性はどんどん広がっていく。 アレンジが思いつかなくなったとき、 「もっと新しいコードを覚えなきゃ」 と考える前に、 今ある材料の組み合わせを 変えられないだろうか？ と考えてみる。 コードを増やさなくても、 リズムを変えればいい。 リズムを増やさなくても、 メロディーを変えればいい。 そして、 仲間のアイデアと掛け合わせてもいい。 音楽の可能性は、 材料の数だけで決まるわけではない。 同じ材料でも、 組み合わせ方を変えれば、 まだまだ新しい音楽を 生み出すことができます。

【コードを勉強するほど、アドリブが下手になる！？】 コードを覚える。 スケールを覚える。 理論も勉強する。 なのに、 「前よりアドリブが窮屈になった……」 そんなことがあります。 特に、譜面を正確に演奏することを しっかり学んできた人ほど、 アドリブでも 「このコードではこの音」 「次のコードではこのスケール」 と、一つひとつ正解を探そうとしてしまう。 もちろん、 コードや理論を学ぶことは大切です。 でも、アドリブを始めたばかりの段階では、 細かくコードを追いかけることが、 逆に自由な演奏を邪魔する ことがあります。 そこで一度、 発想を変えてみます。 コードを一つずつ追いかけるのではなく、 まずは曲のキーを大きく捉えて、 一つのスケールで自由に遊んでみる。 そして、もう一つ大事なのが、 「全部、自分でやろうとしないこと」 です。 アンサンブルなら、 ドラムがリズムを作ってくれています。 ベースが低音やコード進行を 支えてくれています。 だったら、 自分一人で リズムも、 低音も、 コードも、 メロディーも、 全部完璧に成立させなくていい。 周りの音を聴いて、 その音に反応して、 自分の音を返してみる。 アドリブは、 一人で音楽を完成させることではなく、 周りの人と音で会話すること。 まずはそこから始めてもいいんです。 コードをたくさん知っているのに アドリブになると身体が固まってしまうなら、 知識が足りないのではなく、 知識を使おうとしすぎている のかもしれません。 一度コードから少し離れて、 シンプルな音だけで 周りと遊んでみてください。 その方が、 あなたらしいアドリブへの入口が 見つかるかもしれません。

【同じテンポなのに、なぜ「ノリ」が全然違うのか？】 同じテンポで演奏している。 メトロノームにも合っている。 それなのに、 「なんだかノリが違う」 「もっとグルーヴが欲しい」 そんなことがあります。 実はその違い、 **音が鳴る“前”**にあるかもしれません。 たとえば、デコピン。 指をそのまま動かすだけでは、 それほど強い力は出ません。 でも、 一度グッと力を溜めてから パチン！と離す。 すると同じ動きでも、 強いインパクトが生まれます。 リズムにも、 これと似た感覚があります。 音を出す直前に「タメ」があると、 実際に音が鳴るタイミングは同じでも、 グイッと前へ進むような スピード感が生まれます。 では、この感覚を どうやって身につけるのか？ おすすめなのが、 「ストレート」と「ハネるリズム」を 止まらずに切り替える練習です。 まずは普通の8ビート。 1拍のちょうど真ん中あたりに 裏拍を感じます。 そこから、 裏拍を少し後ろへ引っ張っていく。 すると、 ストレートだったリズムが だんだんハネたリズムに変わっていきます。 大事なのは、 それぞれを別々に練習するだけではなく、 止まらずに行ったり来たりすること。 そうすると、 「どのくらいハネているのか？」 「どのくらいタメているのか？」 という感覚が、 少しずつ身体に入ってきます。 そして、この練習。 実は楽器がなくてもできます。 散歩しながらでもいいので、 ストレートのリズムと、 ハネたリズムを、 自分の口で歌い分けてみてください。 これが意外と難しい。 でも、 自分で歌い分けられるようになると、 リズムをただ「知っている」のではなく、 身体の中でグルーヴを感じ分ける ことができるようになってきます。 グルーヴを良くしたいなら、 「もっと正確に！」 だけではなく、 音が鳴る前の“タメ”を感じられているか？ そこにも意識を向けてみてください。

【「グルーヴ＝正確なリズム」だと思っていませんか？】 メトロノームにピッタリ合わせる。 もちろん大事です。 でも、 「正確に演奏できる＝グルーヴする」 とは限りません。 グルーヴには、 少なくとも3つの捉え方があります。 ① 正確さ ② スピード感 ③ 大きさ まず「正確さ」。 音を出すタイミングを 正確に合わせる力です。 ところが、 これだけに偏ってしまうと、 間違ってはいないけれど、 どこか機械的な演奏になることがあります。 次に「スピード感」。 たとえばデコピン。 ただ指を動かすより、 一度グッと力を溜めてから パチン！と離した方が、 強いインパクトが生まれます。 リズムも似ています。 実際に音が出る前から 身体の中でエネルギーを溜める。 すると同じタイミングで音を出しても、 演奏に勢いやスピード感が生まれます。 そして3つ目が「大きさ」。 1拍ずつ、 1小節ずつだけではなく、 2小節、4小節…… もっと大きなまとまりで リズムを感じる。 すると細かい拍に縛られず、 大きく自由に演奏しながら、 必要なところでは ちゃんと全員で戻ってこられます。 面白いのは、 人によって この3つのうち得意な感覚が違うこと。 「もっと正確に弾いて！」 という人もいれば、 「正確なだけじゃノリが出ない！」 という人もいる。 どちらかが間違っているとは限りません。 「リズムを見ている角度が違うだけ」 かもしれないのです。 そして本当にグルーヴする演奏は、 正確さだけでも、 勢いだけでも、 自由さだけでもない。 「正確さ・スピード感・大きさ」 この3つが絡み合ったところに 生まれてくる。 グルーヴがいまひとつ出ないと感じたら、 「もっと正確に」 だけではなく、 「自分はこの3つのどこに偏っているだろう？」 と考えてみると、 演奏の感じ方が変わるかもしれません。

「即興なんて、自分には無理」 そう思っている人ほど、 ちょっとだけ一緒にやってみてください。 使う音は、たった1音。 完コピする必要もありません。 音で“会話”するだけです。 40秒だけ、僕と即興してみませんか？

【テンポは合っているのに、なぜアンサンブルがまとまらない？】 譜面通りに演奏している。 メトロノームにも合っている。 それなのに、 みんなで合わせるとなぜかまとまらない。 そんなときは、 「テンポ」ではなく 音の長さ がズレているのかもしれません。 たとえばベース。 同じ音を、 同じタイミングで弾いても、 長く伸ばすのか。 短く切るのか。 それだけで、 アンサンブル全体のノリは変わります。 音楽では、 この「音の長さ」を 音価（おんか） と呼びます。 そして大事なのは、 一人ひとりが 好き勝手な音価で演奏するのではなく、 アンサンブル全体で その感覚を共有すること。 特に重要なのが、 ドラムとベースの組み合わせです。 ドラムがリズムの打点を作り、 ベースがそこに音の長さを加える。 その組み合わせから生まれるグルーヴを、 他の楽器も感じながら演奏する。 すると、 ギターでも、ピアノでも、 管楽器でも、弦楽器でも、 ボーカルでも。 どんな楽器でも、 アンサンブルが自然とまとまりやすくなります。 逆に、 自分の譜面やフレーズだけに集中していると、 一人ひとりは正しく演奏しているのに、 アンサンブル全体では なぜか噛み合わない。 ということが起こります。 「正しく演奏する」と 「みんなで合う」は別物。 アンサンブルがまとまらないときは、 テンポだけを疑うのではなく、 「みんなの音の長さは合っているか？」 そこに耳を向けてみると、 アンサンブルが一気に変わるかもしれません。

【「ドラムをよく聞いて！」で逆にリズムがズレる理由】 バンドでリズムが合わないと、 「もっとドラムをよく聞いて！」 「周りをよく聞いて合わせて！」 と言われることがあります。 でも実は、 「聞いてから合わせる」ほど リズムがズレてしまうことがあります。 なぜなら、 ドラムの音を聞く ↓ その音を認識する ↓ それに合わせて演奏する という順番では、 どうしても「後追い」になりやすいからです。 遅れたと思って今度は早めに弾く。 すると今度は前に出すぎる。 また修正する。 これを繰り返すと、 リズムはどんどん不安定になります。 大事なのは、 ドラムの音に一音ずつ「当てにいく」のではなく、同じリズムを身体で感じること。 イメージとしては、 「ドラムを追いかける」のではなく、 同じグルーヴの中を一緒に並走する。 音が鳴っていないところでも、 身体の中ではビートが続いている。 その感覚を共有できると、 無理に合わせにいかなくても 自然と演奏が噛み合ってきます。 これは、 特定の楽器だけの話ではありません。 ギターでも、ベースでも、 ピアノでも、ドラムでも、 管楽器でも、弦楽器でも。 どんな楽器でも基本は同じです。 リズムを合わせたいなら、 「よく聞いて、合わせる」 だけではなく、 「身体で感じて、一緒に乗る」 という感覚を試してみてください。 アンサンブルは、 誰かの音を追いかけることではありません。 同じグルーヴの中を、一緒に走ること。

【リズム感がない人ほど要注意！？】 「リズム感がないから、とにかくメトロノームで練習！」 もちろんそれも大事です。 ただ、初心者ほどそれだけでは 逆にリズムが固くなることがあります。 おすすめなのは、 同じテンポのままリズムの感じ方を変えて遊ぶこと。 たとえば、 8ビートでは 1拍を「2つ」に分けて感じる。 スイングでは 1拍を「3つ」に分けて感じる。 テンポは同じでも、 身体の中で感じるリズムは全く違います。 この感覚を、 いろいろな人と一緒に 即興で切り替えながら遊んでいく。 すると、 リズムそのものへの「感度」が上がってきます。 結果として、 どんなリズムでも自然に乗りやすくなる。 リズム感は 「ある・ない」の才能だけではありません。 いろいろなリズムを どう感じて、どう遊んできたか。 そこを変えると、 リズム感はかなり変わります。

人前で演奏すると、 練習では気にならなかったことまで 急に気になり始める。 「音を外さないように」 「リズムを間違えないように」 「下手だと思われないように」 そう考えれば考えるほど、 いつもなら自然に動くはずの手が 動かなくなっていく。 不思議ですよね。 でももしかすると、 緊張しているから 演奏できなくなるのではなく、 「評価される演奏」をしようとするほど 緊張が強くなる のかもしれません。 誰かに評価されるためではなく、 目の前の人に 自分の音を届ける。 一緒に演奏している人の音を聴いて、 そこに自分の音で返す。 そんな瞬間は、 「上手く弾かなきゃ」 という意識が少し薄れて、 音楽そのものに 戻っていけることがあります。 本番で緊張したとき、 あなたの頭には どんな言葉が浮かびますか？

本番になると、 いつも通り演奏できなくなる。 手が固くなる。 頭が真っ白になる。 「間違えたらどうしよう」 が先に出てしまう。 そんなことありませんか？ でもこれ、 「もっと練習すれば解決する」 だけではないかもしれません。 普段から、 間違えないように。 注意されないように。 上手に演奏できるように。 そんな音楽をたくさん経験していると、 人前に出た瞬間、 「自分の音を出す」 よりも、 「失敗しない」 が先に来てしまう。 だから必要なのは、 上手く演奏できた経験だけではなく、 「自分の音を出しても大丈夫だった経験」 なのかもしれません。 間違えても否定されない。 音を出したら、 誰かが音で返してくれる。 自分の音が、 誰かと音楽になる。 そんな経験が積み重なると、 「失敗しないように演奏する」 から、 「相手に音を届ける」 へ少しずつ変わっていきます。 あなたは、 練習では弾けるのに、 人前になると急に演奏できなくなる、 という経験はありますか？

スケールやコードを勉強しているのに、 曲セッションになると 「何を弾けばいいか分からない」 となりませんか？ スケールも覚えた。 コードも勉強した。 理論も前より分かる。 なのに、 曲が始まると音が出てこない。 すると、 「まだ知識が足りない」 と思って、また勉強する。 でも足りないのは、 「もっと高度な知識」 ではないかもしれません。 知識を増やす練習と、 相手を聴いて、 感じて、 音を返す練習は、 似ているようで違います。 ドとレ。 たった2音でもいい。 選択肢を減らして、 相手を聴く。 リズムを感じる。 音を返す。 頭の中の「知識」が、 少しずつ「使える音楽」になっていく。 あなたは、 「知識はあるのに、 実際の演奏では使えない」 と感じたことはありますか？

みんなで演奏するのは楽しい。 でも、 「自由に入っていいよ」 と言われると、急に怖くなりませんか？ 何を弾けばいい？ 間違えたら？ 邪魔したら？ でもそれは、 才能がないからではないかもしれません。 即興はカッコいいソロを弾くことだけじゃない。 相手の音を聴いて、 ちょっと音を返す。 ドとレ。 たった2音でもいい。 上手く弾くことより、 まず一緒に音楽する。 あなたはどんな瞬間に 「自由に演奏するのが怖い」 と感じますか？

アドリブが苦手だった頃の自分に 伝えたいこと。

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メトロノームを鳴らした時   1 音を当てに行く   と   2 音間にノリに行く   この違いが体感で わかる人は 練習するほど 上手くなる   この違いが わからない人は   練習すればするほど 下手くそになる！   メトロノームは 経験者じゃないと 害になることが多い   ご利用は計画的に！

〈今日のスタンダード〉 ジャズワルツ/モードジャズ 【My favorite things】 ジョンコルトレーン youtu.be/zH3JpqhpkXg?si…

音程のコピーや 担当楽器パート だけを聴き取る   「ズームインする耳」   はみんな鍛えたがる   が逆に   バンド全体の音を 一気に認識する   「ズームアウトする耳」   もとっても大事！   これができると 達人クラスの耳 になっていきます！

〈今日のスタンダード〉 「クラシック/ラテン」 【トルコ行進曲(モーツァルトがブラジルて生まれたver）】 Amitai Kurtz youtube.com/shorts/amsVyKe…